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Jueves, 25 de Marzo de 2010 10:45

20 años de Photoshop

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El color y la historia de Photoshop
Aunque Roland Barthes (Cherburgo1915-Paris1980) escribiera acerca del color en la fotografía  en el sentido de que era: “una capa aplicada con posterioridad a la verdad original de la fotografía de blanco y negro. Para mi, los colores son un artificio, cosméticos… como los que se utilizan para pintar cadáveres…”

La fascinación que ha suscitado la fotografía en color a lo largo de toda su historia, es de sobra conocida.
Muchos fueron los fotógrafos que inventaron y generaron diversos procesos para conseguir el color entre los siglos XIX y XX y que en la actualidad en los primeros años del siglo XXI aun se siguen utilizando como son la utilización de procesos alternativos, los cianotipos, las gomas bicromatadas la platinotipia o el RC coloreado a mano.


Rudolf Dühkoop

Fue Isaac Newton (1642-1727) que en su laboratorio andaba buscando entre las matemáticas, la óptica y  la física,  el color de la luz o si la luz verdaderamente, tenia algún color. Pues bien, con un prisma de cristal hizo pasar a través de el, un fino rayo de luz, el cual producía un espectro de colores igual a los del arco iris, pero si ese espectro se interrumpía posicionando entre esos colores un prisma invertido, el resultado era otra vez un rayo de luz blanca. Además Newton, hubo otros científicos que explicaron sus teorías como es el caso de Thomas Young (1773-1829) en las cuales decía que la luz se movía en forma de ondas y a cada color de esa luz le correspondía una longitud de onda diferente. También aportó un hecho importante al conocimiento del color, diciendo que el color es además una sensación, es decir una apreciación psicofisiológico que el ojo humano posee en sus fibras nerviosas. Otros muchos mas apoyaron con sus teorías el funcionamiento del color en la naturaleza y refirieron  la importancia que el color tiene en la vida del ser humano.

Puesto que el ser humano no ve en blanco y negro, en el origen de la fotografía debió ser muy frustrante para sus inventores observar que aquello que habían fijado en planchas de metal, papel o vidrio, solo se obtenía algunas manchas de tonos oscuros grises, negros o marrones muy oscuros.
Esto supuso que muchos de los inventores se propusieran obtener a toda costa la fotografía en color es decir fijar los colores en aquellas manchas monocromas que se obtuvieron en las primeras fotografías. Después de muchos intentos infructuosos  y de todos los avances obtenidos en diferentes procesos, en 1907 en Paris, los hermanos Lumière, conocidos mundialmente por el invento del cinematógrafo, inventaron un proceso de fotografía en color llamado Autocromo.


Hermanos Lumière

Louis Jean Lumière (1864-1948) y Auguste Marie Nicolas Lumière (1862-1954) fueron los inventores del primer proceso fotográfico en color con resultados satisfactorios para la industria fotográfica.
El proceso del autocromo permitía a los fotógrafos y artistas en general, realizar en su laboratorio sus propias fotografías con relativa facilidad.

El proceso se realizaba a partir de un placa de vidrio que se recubría de granos microscópicos de fécula de patata cuyas dimensiones oscilaban entre 0,01 y 0,0006 mm. de diámetro. Para hacernos una idea,  en un milímetro cuadrado cabría la cantidad de unos 7000 granos de fécula de patata. Y en una placa de vidrio de tamaño 13 x18 cm, 140 millones de granos. Se teñían  de rojo anaranjado, verde y azul violáceo, que realizaban la tarea de actuar como filtros de color, se mezclaban y se expandian proporcionalmente sobre la placa y se cubrían con un barniz tipo látex y carbón vegetal triturado que servían de unión y fijación, entre los granos de color. Todo ello se cubría con una capa de emulsión de bromuro de plata pancromática de grano fino y ya estaba lista para exponer.


Edward Steichen

La placa se colocaba en la cámara con la parte emulsionada  sensible lo mas lejos de la lente del objetivo, con el fin de que la luz atravesara primero los granos de color y así la emulsión de plata, registrara la imagen a través de la pauta de color.
Es posible que a alguien le recuerde la matriz de un sensor digital que en definitiva viene a ser el concepto de la formación de color, formulado aproximadamente, unos 100 años antes de que se produjera la era digital.

Otro de los avances del autocromo con respecto a los anteriores procesos como el daguerrotipo o el colodión entre otros, era que no requería un equipo especial puesto que el formato de las placas servia para cualquier tipo de cámara de placas, algo que a los fabricantes actuales de cámaras digitales no se les ha ocurrido o bien han preferido que no se adapten por razones comerciales.
 
Las desventajas de este proceso eran que, debido a que la emulsión pancromática era muy sensible a luz azul y ultravioleta, el objetivo de la cámara debía de llevar un filtro anaranjado que lo corrigiese.

Otro inconveniente era que los granos de color a veces formaban grumos, es por ello ese efecto puntillista de las imágenes que por otra parte resultaron muy atractivos a muchos artistas plásticos que se iniciaban en el Impresionismo y aun gran público que empezaba a admirar la luz impresionista .

Por otra parte, el autocromo por su composición tenía un tiempo de exposición lento, era unos veinte veces mas lento que una placa de negativo en blanco y negro. Un tiempo de exposición estándar del autocromo, se suponía en torno a uno o dos segundos en condiciones de luz solar de mediodía y nublado, con una abertura de diafragma aproximada de f/8.
 

Heinrich Kühn

El autocromo fue utilizado por destacados artistas fotógrafos entre los que podemos destacar: Edward Jean Steichen (1879-1973), Marcel Meys (1885-1972), Alvin Langdon Coburn (1882-1966) y Henrich Kühn (1866-1934), que desarrollaron avances significativos en el proceso del autocromo gracias a sus conocimientos previos de la pintura y del arte. Fruto de estas investigaciones, consiguieron acortar el tiempo de exposición, desarrollar una estética propia a través de la manipulación de los pigmentos de color.

Al respecto, Künh dijo en un escrito en 1907: “solo alguien que posee un sentido delicado de los colores debería trabajar con el proceso del autocromo”

El autocromo se comercializó hasta mediados de los años 30, fecha por otro lado coincidente con la aparición de la película Kodachrome.


Leopoldo Mannes y Leopoldo Godoswsky

La película de Kodachrome la inventaron dos músicos de profesión,  Leopoldo Mannes pianista y Leopoldo Godoswsky violinista.
Además de compartir nombre y profesión eran amigos y les gustaba la fotografía y la química.

La historia de estos dos amigos con la película Kodachrome comienza en 1917, Cuando al salir del cine, se lamentaron del color tan pobre que tenia la película que acababan de ver “Our Navy”,  “Nuestra Marina”.


Lejaren Hiller

A partir de ese día deciden investigar acerca del color para fotografía. El proceso de investigación durará un tiempo largo y sacrificios por parte de los dos músicos.

En 1922 el profesor Word de la Jonh Hopkins University les recomienda a otro profesor de la Eastman Kodak, El Dr. C.E. Kenneth Mees (1882-1960) El doctor Mees les apoya con 20.000 dólares y la instalación de los laboratorios en toda una planta completa del Hotel “Alamac” de Nueva York. Un año mas tarde registran una patente para una película de dos capas superpuestas.


Hotel Alamac - Nueva York © Carlos Rodriguez

Gracias a la lectura de otros investigadores descubren la existencia de los copulantes que tienen como objetivo impedir el desplazamiento del color dentro de la emulsión de cada capa.
La obtención de los copulantes de color produjo una revolución para el desarrollo de películas de alta tecnología tanto para el cine como para la fotografía.

En 1930 los amigos músicos ya tiene de nuevo otra patente para un nuevo proceso multicapa que utiliza copulantes de color en tres capas.
En 1931 son contratados por Kodak como investigadores y transfieren sus investigaciones a la compañía.
En 1935 se comercializa la película para cine de formato de 16 mm. y en 1936, para el formato de 8 mm.
En 1936 se lanza la película Kodachrome para cámaras fotográficas cargada en chasis de película de 35 mm. En un principio se pensó en película negativa pero resultó ser mas comercial la película positiva.



La película Kodachrome era de una extraordinaria calidad y no comparable a ninguna otra película diapositiva existente en toda la historia de la fotografía hasta el momento. Era además  de una composición y procesado complejos Según relata WT Hanson:  “La película Kodachrome consistía en cinco capas sobre un único soporte. La capa superior de emulsión era sensible al azul; a fin de evitar exponer incorrectamente las emulsiones dispuestas por debajo de ella, contenía un colorante amarillo, con objeto de absorber toda la luz azul que la penetrase. Por debajo de la capa sensible al azul existía una capa de gelatina transparente. Esto era importante. Por debajo de ella existía una capa sensible al azul y al verde, así como otra intercapa de gelatina transparente, y finalmente, una capa sensible al azul y al rojo. Así, por tanto, cuando la película imágenes de separación latentes sobre emulsiones en blanco y negro, correspondiente al azul en la capa superior, al verde en la intermedia y al rojo en la del fondo. El procesado seguía la lógica de la estructura de la película.

Primeramente, se revelaban simultáneamente las imágenes negativas en plata de las tres capas sensibilizadas y se eliminaba el colorante del filtro amarillo de la primera capa sensible al azul. A continuación, se blanqueaba y se eliminaba la plata, y las imágenes restantes positivas, presentes en los haluros de plata se exponían a la luz. A continuación, las tres capas se revelaban en un revelador de color formador de colorante cian. Con la imagen cian completada, la película se secaba, se enrollaba en bobinas y se retiraba de la procesadora. En otra procesadora, se blanqueaba tanto la plata revelada como el colorante cian de las dos capas superiores; la plata se rehalogenizaba mientras que el colorante era destruido. Esta era justamente la clave del proceso y recibía el nombre de “blanqueo por difusión controlada”.


Kodachrome Basin State Park

La película Kodachrome supuso un hito en la historia de la fotografía, marco una época en todo el mundo, y solo ella fue capaz de popularizar la fotografía positiva o diapositiva hasta el punto que, a ella le han dedicado una canción.
Paul Simon le escribió una canción que lleva su nombre: Kodashrome. Por otra parte, en agradecimiento a la calidad que proporcionaron las imágenes obtenidas en los bellos paisajes del estado del estado de Utah situado al oeste de EEUU, con la famosa película, se consiguió crear un parque nacional en este lugar, cuyo nombre es: Kodachrome Basin State Park. Por otro lado, la prestigiosa Nacional Geographic Society utilizó para sus imágenes esta película durante 50 años.

Un comunicado de Kodak dice así:
El lunes, 22 de junio de 2009 a las 22:00  Kodak anuncia que, tras 74 años, y siendo considerada por muchos como la mejor película fabricada por la empresa, ha decidido abandonar la producción de carretes Kodachrome. El motivo principal de que decida dar carpetazo a la era del carrete, se debe a la llegada de la fotografía digital.

Con la llegada de la fotografía digital, se produce otro efecto revolucionario en la imagen fotográfica. Dada la susceptibilidad que produce para muchos hablar aun hoy en día  de lo bueno y lo malo que hay entre lo analógico y lo digital, solo nos vamos a referir en concreto a la aparición de programas de tratamientos de imágenes a través del ordenador. Y en concreto con el mas espectacular o mas conocido como es Photoshop.
Especialmente por la analogía que se produce con los anteriores procesos fotográficos anteriormente comentados el autocromo y el Kodachrome, puesto que, paradójicamente también fue inventado por dos hermanos, hace 20 años. Una historia muy similar a la que protagonizaron los inventores de Kodachrome o los hermanos Lumière  con el Autocromo.


En 1987 Thomas Knoll desarrolló un programa de representación de píxeles llamado Display. Era un programa simple que mostraba imágenes en escala de grises en un monitor de blanco y negro. Sin embargo, después de colaborar con su hermano John Knoll, los dos empezaron a añadir funciones que hicieron posible el procesado de archivos de imágenes digitales. Finalmente el programa llamó la atención de las personas que tienen influencia en el sector, y en 1988 Adobe tomó la decisión de comprar el software, llamándolo Photoshop y comercializó la primera versión en 1990.


Thomas y John Knoll


A los Hermanos Knoll  les gustaba la fotografía y los ordenadores, idearon y diseñaron el software mas popular y que mas ha captado a gente de muy diversos campos y profesiones, médicos ingenieros diseñadores, arquitectos fotógrafos, artistas hasta cualquier persona que se interese por la imagen.
La primera versión de Photoshop  de 1990 solo se produjo para Mac. Llevaba incorporado corrección de color, curvas, niveles y la herramienta de clonar.



La segunda versión aparece  en 1991, el Photoshop 2, y con el nace la versión para Windows. Introduce un soporte para CMYK.
En 1994, Photoshop 3 incorpora las capas y las paletas, mientras que por su parte,  en 1996 Photoshop 4 introduce las capas de ajuste, y la unificación de su interface con otros programas de Adobe.
Photoshop 5, en 1998, aparece con la herramienta historia, el lazo magnético y otra característica importante, se incorpora "Image Ready" con el objetivo de crear imágenes para web.
Photoshop 6, en 2000,  incorpora la paleta para figuras sectorizadas, y se introduce el filtro licuar así como las funciones multicapa y la herramienta recorte.
Photoshop 7 en 2002 aporta un nuevo administrador de archivos, apareciendo el pincel corrector y la herramienta parche.

Nace la versión CS y  se produce un acontecimiento con la incorporación de Cámara Raw o negativo digital. Además aparecen otras herramientas como el comando de agrupar capas, y un soporte a otros lenguajes informáticos como java escript. CS2 en 2005, ofrece la opción imagen en perspectiva, al tiempo que se incorpora la característica de escalar capa sin perdida de calidad.
CS3 en 2007 entre otra mejoras, ofrece dos versiones, la estándar  y la extendida para aplicaciones científicas y ediciones de video. Photoshop CS4 en 2008 incorpora diversas mejoras diversas y la introducción de 3D


Loreta Lux

Pese a quien pese, es evidente que con la evolución de la tecnología fotográfica supuso un gran cambio en el concepto fotográfico. Con la aparición de la primera cámara para aficionados en 1888, la cámara Kodak realizo una renovación en lo que hasta entonces había sido la fotografía: crear un mercado fotográfico para aficionados, convirtiendo en fotógrafos a personas que no tenían conocimientos especiales de fotografía y lo único que perseguían era hacer bonitas fotografías a sus familiares, amigos, objetos mas queridos, etc.
El celebre eslogan de la compañía americana Kodak decía: Cualquiera podía "oprimir el botón" y la compañía del Sr. Eastman "hacía el resto".

La llegada de cámaras mas pequeñas, mas manejables, objetivos mas luminosos, películas con mas calidad en cuanto a grano mas fino, etc., hizo que el trabajo del fotógrafo fuera mas rápido y menos costoso.

Con las palabras de Pamela Roberts celebre investigadora independiente de fotografía, nos relata con gran acierto lo que puede llegar a ser una fotografía:

“No obstante toda fotografía es una interpretación personal, un simulacro de la realidad, y los fotógrafos han descubierto la manera de subvertir y modificar la veracidad aparente, aunque muchas veces cuestionable. Manipulando químicamente el color, añadiendo pintura o lápiz, trabajando la emulsión y el negativo, recurriendo a la exposición doble o múltiple, al collage, estructurando una historia, o con efectos especiales de luz, de objetivos y de exposición, se consigue que la fotografía cuente multitud de historias”



Chi Peng

Con la llegada de la era digital, ha supuesto ante todo una autentica revolución de opiniones. Si repasamos la historia de la fotografía, vemos que está plagada de descréditos hacia la fotografía, y no se la consideró arte hasta mucho tiempo después de su aparición. Si echamos una mirada al pasado, podemos ver lo que supuso el cambio del daguerrotipo de Daguerre  al calotipo de Talbot, o la aparición de la fotografía en color.

Las nuevas tecnologías de la imagen han incrementado el uso de la imagen. Hemos cambiado el papel fotográfico  por la pantalla del ordenador, y ahora casi cualquier artilugio es susceptible de hacer una fotografía, podemos ver la imagen en el instante, enviarla por Internet a cualquier parte del mundo.

Por otra parte los laboratorios digitales, junto a los programas de tratamiento de imágenes han conseguido un efecto comparable a lo que produjo la primera cámara para aficionados de Kodak. Nadie se escapa a hacer una foto y después manipularla, aunque sean los ajustes mínimos de exposición y temperatura de color. Algo usual por otra parte, que ya se practicaba con la fotografía analógica como mas arriba comenta la investigadora Roberts.

En relación a todo este complejo mundo que ha llegado a ser la era de la imagen y en respuesta  también a la multitud de opiniones que se generan al respecto querría concluir con las palabras de la  Dra. Roberts:

“Aunque existe una historia de artistas que utilizan la fotografía y de fotógrafos que hacen arte, los artistas contemporáneos recurren cada vez mas a la fotografía como herramienta, y su presencia aumenta paulatinamente en los principales museos del mundo y en las elegantes galerías de arte y se reproduce en libros de gran calidad y revistas especializadas”.




 
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